Léo THIBAULT
À ceux qui font les choses pleinement, parce qu’ils aiment profondément ce qu’ils font.
À ceux qui pensent que l’intelligence créative peut naître dans le silence ou dans le chaos.
À ceux qui cherchent dans les idées farfelues, les détails subtils, les intuitions fugaces.
À ceux qui valorisent l’authenticité, parce qu’elle traverse les modes.
Je m’adresse à ceux qui croient que le design est une culture avant d’être un métier.
À ceux qui misent sur l’avenir plutôt que sur les titres.
À ceux qui voient dans les regards neufs, une chance de faire autrement.
Je suis passionné. Curieux. Exigeant.
Et jour après jour, j’essaie d’être la meilleure version de moi-même.
Je ne cherche pas à impressionner.
Je cherche à faire juste.
Mon ambition : devenir directeur artistique.
Pas pour le poste.
Pour les idées qu’il permet de défendre.
Le chemin est devant moi. Je le regarde avec confiance, lucidité, et détermination.
Comme l’a dit Steve Jobs: “Les gens assez fous pour penser qu’ils peuvent changer le monde sont ceux qui le font”
Je n’ai pas peur d’essayer !
« The people who are crazy enough to think they can change the world, are the ones who do »
Steve JOBS
La collection “Origine” pose les fondations de l’univers de marque. C’est un manifeste : minimaliste, efficace, et chargé de sens. Elle affirme le ton visuel et le territoire émotionnel de CARMOUR, en capitalisant sur l’héritage auto et ses symboles pop.
Chaque pièce fonctionne comme une capsule graphique, jouant sur :
- Des illustrations réalistes, fidèles aux silhouettes cultes (Porsche 917, Pink Pig, Maybach, etc.)
- Des jeux typographiques et slogans détournés issus de vraies campagnes vintage
- Un positionnement frontal/dos structuré (logo cœur sur le devant, illustration centrale au dos)
- Une narration codée : couleurs reprises dans le logo, clins d’œil culturels (Virgil Abloh, Gulf Racing, clichés de pub auto années 80/90…)
L’ensemble crée un langage visuel accessible mais référencé, entre culture auto, mode et design graphique.
- Logo : le mot “CARMOUR” fusionne car et amour ; le “O” est remplacé par un cœur plein, jouant sur les polarités affectives autour de l’auto (amour/détestation, culte/déclin).
- Illustrations : réalisées en vectoriel avec une DA semi-réaliste, accent sur les angles de vue iconiques (vue plongeante, profil side, arrière racing…).
- Typo : mix de typographies pleines et outlines pour évoquer les contrastes visuels entre structure industrielle et sensibilité émotionnelle.
- Placement : réflexion autour de la lisibilité, du rythme et de la valorisation textile.
DIRECTION ARTISTIQUE
Logiciels
Photoshop
Procreate (iPad)
Illustrator
Avec Avantime, deuxième collection de ma marque CARMOUR, j’ai choisi de casser volontairement les codes graphiques posés par la collection Origine. Ce virage stylistique assumé incarne ma volonté de construire une marque vivante, évolutive et culturellement poreuse, à l’image de l’automobile elle-même : en mouvement perpétuel.
Le nom « Avantime », emprunté à l’un des modèles les plus polarisants de Renault, incarne parfaitement cette idée de futurisme incompris. L’objectif : questionner l’héritage, réinterpréter les mythes auto avec une touche post-digitale et une ironie de designer.
Chaque pièce associe :
- Une photographie pixelisée d’un détail de voiture iconique (Turbo S, GT-R, GR Yaris, Ferrari…), cadrée comme un souvenir glitché, entre nostalgie et numérique.
- Un slogan typographique « Vroom to the point », mixant codes graffiti, gaming, et futurisme typographique, pour incarner l’élan, l’urgence, le mouvement.
- Un système chromatique hyper cohérent où les teintes du logo, du texte et de la photo forment un triptyque visuel fort.
Cette collection pousse la DA de la marque dans une direction plus conceptuelle, générationnelle et edgy.
Avec Avantime, je voulais prouver que CARMOUR n’est pas une marque figée dans l’automobilia vintage, mais une plateforme graphique capable d’embrasser différents imaginaires – du culte à l’expérimental, du rétro au numérique.
C’est une collection qui parle autant aux amateurs de carrosseries qu’aux créatifs street/post-digital, un objet hybride qui navigue entre mode de niche, branding artistique et hommage culturel.
- Logo retravaillé : version glitchée du mot CARMOUR, pixelisée, texturée, agressive visuellement, à contre-courant du minimalisme plat.
- Typographies contrastées : clash entre une typo futuriste racée (Vroom / Point) et une typo graffiti fluide et urbaine (To / The), comme un dialogue entre vitesse mécanique et expression humaine.
- Traitement photo : les clichés de détails auto sont volontairement pixelisés, à la manière de visuels lo-fi ou archives web compressées, pour évoquer le fantasme automobile vu à travers l’œil numérique.
DIRECTION ARTISTIQUE
Logiciels Photoshop
Illustrator
La collection CARMAP est un hommage visuel à la culture automobile à travers l’imagerie des routes, des courses et des souvenirs flous capturés sur le vif. Elle explore le lien intime entre le conducteur et la machine, en s’appuyant sur une esthétique brute et rétro, inspirée de l’imagerie analogique. L’idée est de figer dans le textile des instants volés, des scènes capturées sur les routes ou sur circuit, comme des fragments de road trip imprimés sur coton.
Le nom CARMAP évoque à la fois la carte de navigation et une cartographie émotionnelle de la passion automobile. C’est une collection sentimentale, presque nostalgique, qui traduit en noir et blanc le battement du cœur des passionnés de voitures.
Chaque pièce de la collection CARMAP agit comme une capsule visuelle, construite à partir d’images transformées, jouant sur :
- Des photographies documentaires ou inspirées de scènes de culture auto (routes sinueuses, run urbain, rallye de légende).
- Une grille graphique rigide : logo cœur sur le devant, visuel plein cadre centré au dos, imprimé façon affichage ou print vintage.
- Une esthétique bitmap noir et blanc, qui évoque les techniques d’impression à l’ancienne, les premiers visuels digitaux ou les photocopies underground.
- Une stylistique glitchée et contrastée, dans l’esprit des fanzines ou des visuels tuning 90’s ultra contrastés.
- Visuels : Les images utilisées à l’arrière des t-shirts sont transformées en bitmap noir et blanc, créant un effet de trame qui rappelle les impressions anciennes ou les premiers visuels d’ordinateurs. Cela donne un rendu granuleux, percutant et volontairement brut, en cohérence avec l’univers underground de la culture auto.
- Photographies : Chaque photo représente une scène culte ou cinématographique liée à l’automobile (circuit, run de nuit, poursuite en montagne…), avec un cadrage immersif et des contrastes accentués pour renforcer l’impact.
- Logo : Le logo “♥CARMOUR”, réutilisé ici dans une version modifiée et déformée, adopte une typographie marquée par une texture abîmée, évoquant les stickers de pare-brise usés par le temps. Le mot est légèrement courbé, rappelant les formes dynamiques des routes ou les stickers racing collés de travers.
- Couleurs : La collection est intégralement en noir et blanc sur t-shirt blanc, pour renforcer l’aspect intemporel, photographique et minimal de la direction artistique.
DIRECTION ARTISTIQUE
Logiciels
Photoshop
Illustrator
tooooools.app
Dans le cadre d’un exercice de design prospectif, nous avons imaginé un univers dystopique futuriste dans lequel la marque Oakley évolue et s’adapte.
Ce projet place Oakley au cœur d’un écosystème hostile, où la technologie se met au service des fonctions vitales humaines : respirer, voir, entendre, se protéger.
Le concept RE-FEEL propose une bascule radicale du storytelling de marque : Oakley n’est plus seulement une marque de performance, elle devient une interface entre l’humain et son environnement, en s’inspirant du biomimétisme et des grands symboles passés de la marque.
Univers & scénario
- Contexte : monde dystopique pollué, post-anthropocène
- Approche IA : tous les visuels produits, environnements et textures ont été générés via des outils IA (Midjourney, Runway…) pour créer un langage visuel organique, entre high-tech et matière vivante
Produits développés (4 objets-signatures)
- Masque respiratoire
→ Inspiré des premières lunettes sport Oakley ; structure filtrante respirante imitant les branchies. - Lunettes intelligentes
→ Dotées d’un HUD (affichage tête haute) ; technologie de vision filtrée adaptative ; design hérité de la Eye Jacket. - Oreillettes à conduction osseuse
→ Captent l’environnement et transmettent le son par vibration ; inspirées de la forme auriculaire humaine. - Masque intégral de survie
→ Pièce iconique inspirée des archives Oakley (Overthetop, Medusa) ; synthèse de toutes les fonctions vitales.
ADN de marque conservé
- Réutilisation des formes iconiques Oakley (lunettes techniques, masques extrêmes, branches ergonomiques)
- Codification par matière, brillance, texture : techwear + organique
- Univers visuel : brumeux, post-industriel, respirant mais oppressant
- Slogan & naming : RE-FEEL – Inspired by nature. For survival.
DIRECTION ARTISTIQUE
LogicielsChat GPT
MidJourney
Photoshop
Runway
Figma
Firefly
Dans le cadre d’un exercice de création, l’objectif était de concevoir un restaurant fictif inspiré d’un film emblématique, sans jamais tomber dans la citation littérale ou l’illustration évidente. Nous avons choisi Skyfall pour son esthétique élégante, ses tensions narratives subtiles et sa symbolique de la dualité.
VESPER est né de cette lecture sensible. Le projet transpose l’univers de Skyfall dans un lieu gastronomique immersif, en traduisant l’esprit du film à travers des codes visuels, sensoriels et émotionnels, sans jamais évoquer directement James Bond.
VESPER explore une gastronomie narrative, entre sophistication, retenue, obscurité et sensualité. L’identité du lieu s’exprime dans les contrastes : textures, lumières, couleurs, arômes… tout y joue sur l’équilibre entre maîtrise et abandon.
Direction Artistique & Naming
- Le nom VESPER fait écho à la complexité d’un cocktail légendaire, mais aussi à une figure féminine ambivalente de l’univers Bond — sans jamais le citer.
- Le slogan “The Duality of Taste” résume l’ensemble du positionnement : entre raffinement et tension, contrôle et lâcher-prise.
Graphisme & Identité
- Typographies :
- Benton : rigueur, modernité
- Druk Wide : impact, contraste
- Palette colorée construite autour de tons inspirés des décors du film :
- Bleu nuit (#041C38)
- Rouge profond (#D04510)
- Or patiné (#77721C)
- Mise en page et traitements visuels sobres, mais puissants : grands aplats, visuels pleine page, compositions asymétriques.
Utilisation de l’IA
- Génération des visuels d’architecture intérieure, de plats, et de campagnes de communication à l’aide d’outils IA (Midjourney, Runway, etc.)
- La DA IA reprend les codes esthétiques du film : lumière rasante, compositions cinématographiques, contrastes de textures, matériaux nobles.
Gastronomie
- Carte conceptualisée comme une expérience multisensorielle :
- Cocktails narratifs (Sky Fall, Lose Control, Vesper Martini)
- Plats en accords de textures et d’arômes évoquant des moments du film, sans jamais les nommer
Communication
- Campagnes d’affichage épurées, jouant sur le mystère, le contraste et la suggestion.
- Identité visuelle modulable pour print, digital et packaging.
DIRECTION ARTISTIQUE
LogicielsMidJourney
Photoshop
Figma
Runway
ChatGPT
Ce projet est né d’un besoin d’identité personnelle forte, destinée à représenter ma signature visuelle en tant que designer et futur directeur artistique. L’objectif était de créer un symbole reconnaissable, graphique, mais non littéral: une forme qui interpelle sans s’expliquer.
Plutôt qu’un simple logo avec mes initiales, j’ai voulu développer un monogramme codé, presque hermétique au premier regard, à la croisée entre typographie, géométrie et abstraction.
Le monogramme fusionne les lettres L et T, en brouillant volontairement leur lisibilité immédiate. Le signe fonctionne comme une forme autonome, oscillant entre hiéroglyphe moderne et emblème statutaire.
Un léger jeu de vide/plein et d’alignements désaxés suggère, à la lecture secondaire, les deux initiales.
Le dessin global évoque subtilement un visage stylisé, renforçant l’idée d’un logo humain, incarné, mais stylisé à l’extrême.
- Forme : pure, angulaire, tranchée – la rigueur formelle reflète mon attachement à la précision dans le design.
- Raccordements : les jonctions entre les deux lettres sont pensées pour ne pas paraître “fusionnées”, mais “nées ensemble”.
- Applications : carte de visite luxe en noir et doré, porte-carte métallique embossé, branding déclinable sur print et digital.
- Palette : or mat sur noir brillant = contraste statutaire ; symbole d’ambition et de sobriété haut de gamme.
DIRECTION ARTISTIQUE
LogicielsPhotoshop
Illustrator
06-03-2024
Ce projet a été réalisé dans le cadre d’un exercice de formation pour un ami, dont le défi consistait à créer en trois jours une entreprise fictive de location de skis. Il devait imaginer l’ensemble des aspects stratégiques : identité de marque, plan de communication, structure financière et modèle économique.
J’ai été chargé de concevoir l’identité visuelle complète du projet : logo, charte graphique et supports de communication. L’objectif était de donner au projet une image cohérente, crédible et visuellement impactante, à la hauteur d’une vraie marque.
Afin de structurer efficacement la communication, j’ai opté pour une différenciation entre communication externe et interne :
- Externe : un style épuré, moderne et graphique, destiné à séduire les clients.
- Interne : une tonalité plus humaine et pédagogique, mettant en avant l’équipe et les valeurs du projet.
Pour concevoir l’identité visuelle, j’ai exploré une direction à la fois moderne, attrayante et élégante. Le logo s’appuie sur le mot « We », clin d’œil au nom fictif WeSki, que j’ai utilisé comme base pour intégrer l’icône d’un skieur stylisé, symbolisant l’activité de l’entreprise de manière dynamique et mémorable.
Concernant les supports de communication :
- J’ai conçu une affiche principale à l’esthétique minimaliste, mettant en scène deux personnages : un skieur bien équipé et une personne marchant dans la neige, accompagnée du message humoristique « C’est plus sympa avec des skis… ».
- Cette affiche intègre également le logo et la catchphrase de l’entreprise : « Équipez-vous pour skier sans modération », pensée pour créer un attachement de marque et valoriser l’expérience client.
- Une seconde affiche, également épurée, a été créée pour annoncer une réduction étudiante, incitant les jeunes à louer leur matériel tout en renforçant l’accessibilité pour les familles.
J’ai également réalisé un flyer de présentation conforme au brief, intégrant les photos des membres de l’équipe, dans une mise en page simple, claire et professionnelle.
Enfin, j’ai conçu les cartes de visite personnalisées de chaque membre du groupe. Pour créer un contraste visuel intéressant, elles adoptent un design inversé par rapport aux supports externes : fond noir avec éléments graphiques blancs, affirmant ainsi un style plus marqué et différencié pour les échanges professionnels.
DIRECTION ARTISTIQUE
LogicielsPhotoshop
Illustrator
Procreate
L’INTIME AU MAD
06-03-2024
Ce projet s’inscrit dans le cadre d’une exposition autour de l’intime au Musée des Arts Décoratifs à Paris. L’objectif : réaliser un trailer immersif capable de traduire visuellement et sensoriellement la notion d’intimité, de sa fragilité contemporaine à ses mutations numériques.
Plutôt que de représenter l’intime de manière littérale, l’approche choisie s’est concentrée sur ses formes symboliques et sensorielles : la sensualité, le désir, le flou, la pudeur, mais aussi l’exposition involontaire, la pixelisation, les algorithmeset les traces numériques qui parasitent ou altèrent notre rapport au privé.
Le trailer joue sur une tension permanente entre attirance et inconfort, entre corps en fusion et données qui s’emballent. Les images se superposent, se fragmentent, se saturent, jusqu’à perdre leur lisibilité : une métaphore directe de la surexposition numérique de l’intimité. Les tons rouges viennent évoquer à la fois la passion, l’interdit, et la violence du regard.
Cette narration visuelle prend la forme d’une séquence abstraite et rythmée, où les corps s’entrelacent, les visages s’effacent, et où les photos censurées ou floutées se multiplient, comme des données piégées dans un flux qui ne s’arrête plus.
Direction artistique
Le trailer oscille volontairement entre le chaud et le froid, le charnel et le numérique.
Les silhouettes deviennent métaphores visuelles, parfois désincarnées, parfois trop proches, créant un malaise latent, renforcé par le traitement graphique des images : flou, censure, effacement.
Ce projet s’inscrit dans une réflexion plus large sur le devenir de l’intime dans une époque saturée d’images, de partages et de filtres, où l’on désire être vu tout en restant caché.
Vidéo & Animation
- After Effects a été utilisé pour composer une esthétique mouvante et vibrante :
- Défilement rapide de photos avec effets de glitch, de censure, de flou et de surimpression.
- Animations de pixelisation pour figurer la perte d’identité, la fragmentation de soi à l’ère numérique.
- Superpositions et fondus pour suggérer l’intimité physique et émotionnelle entre les corps.
Rythme & Montage
- Premiere Pro a permis de construire un montage cadencé, presque syncopé :
- Rythme rapide et haletant, traduisant la fuite en avant de l’intime exposé.
- Alternance entre plans sensuels et moments d’effacement, créant une tension visuelle constante.
- Colorimétrie centrée sur les rouges et noirs profonds, évoquant la sensualité, mais aussi le danger.
DIRECTION ARTISTIQUE
LogicielsPhotoshop
Premier Pro
After Effect
06-03-2024
Ce projet consistait à réaliser une affiche et un trailer d’adaptation d’un roman emblématique : Casino Royale de Ian Fleming. L’objectif était de traduire l’univers du livre sous une forme contemporaine, esthétique et cinématographique, sans forcément reproduire les codes exacts du film.
L’approche retenue repose sur la symbolique forte des éléments-clés de l’univers de James Bond : le casino, la voiture, le poker, et le célèbre plan de tir dans le canon. L’idée a été de condenser l’ambiance élégante, tendue et stylisée du récit en un court teaser immersif.
La narration repose sur un enchaînement fluide et visuel d’objets symboliques (jeton → jante de voiture) qui jouent sur la circularité et l’effet miroir, en hommage au style bondien : précis, fluide, énigmatique.
L’ensemble constitue un trailer court, rythmé, immersif, pensé comme une séquence d’ouverture qui intrigue et installe directement l’univers de l’histoire. L’affiche, quant à elle, vient ancrer ce teaser dans un style illustratif BD, rendant hommage aux couvertures pulp et affiches vintage de films d’espionnage.
3D & Animation
- Blender a été utilisé pour modéliser et animer :
- Le jeton de poker tournant, avec un travail spécifique sur les textures (effet plastique, reflets doux).
- La jante de l’Aston Martin DBS, animée en rotation continue pour créer une transition fluide entre les deux objets.
- La voiture complète placée dans une ruelle modélisée ou intégrée dans un plan fixe évoquant l’ambiance de l’affiche. Une attention particulière a été portée à l’éclairage pour coller à une ambiance nocturne et luxueuse.
Compositing & Montage
- After Effects a permis :
- D’effectuer les transitions entre plans (zoom, dézoom, flous progressifs).
- D’animer le cercle du canon de pistolet, avec tracking de la silhouette et effets de déformation circulaire.
- D’ajouter l’effet de sang coulant, en écho au générique emblématique de 007.
- Premiere Pro a été utilisé pour le montage global :
- Rythme précis et épuré.
- Calibration colorimétrique : noir profond, reflets métalliques, éclats rouges du jeton.
Design graphique
- L’affiche a été réalisée dans un style bande dessinée réaliste, avec :
- Illustration d’une Aston Martin DBS dans une ruelle sombre, directement issue du trailer.
- Intégration d’éléments symboliques : jetons renversés, reflets de lumière, enseigne lumineuse du casino, créant une continuité esthétique forte avec la vidéo.
DIRECTION ARTISTIQUE
LogicielsPhotoshop
Illustrator
Procreate
Blender
Premier Pro
After Effect
Projet de design spéculatif et hommage visuel, la Mercedes-Benz Sauber C2024 est une réinterprétation contemporaine de l’iconique C11, prototype de course engagé en Groupe C au début des années 90. L’objectif ? Explorer les codes du restomod numérique en proposant une évolution crédible, raffinée et futuriste de ce monstre d’endurance, tout en préservant son aura brute et statutaire.
Ce projet mêle design automobile, 3D modeling, et direction artistique, avec une projection réaliste en rendu studio et une expérience AR immersive via un QR code scannable.
Le design du véhicule se veut taillé dans la masse, fidèle à l’esprit monolithique de la C11 d’origine, tout en y injectant des éléments modernes et racés :
- Optiques LED en rupture géométrique, à l’avant comme à l’arrière
- Aileron ultra-structuré aux courbures affûtées
- Diffuseur arrière et prises d’air retravaillées dans une logique d’efficience aérodynamique stylisée
- Cockpit fluide, qui conserve l’esprit bulle racing mais avec une intégration plus fluide à la carrosserie
Chaque détail a été pensé comme une évolution réaliste, et non une simple fantaisie futuriste.
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- Analyse de l’originale : étude précise de la C11 pour en extraire proportions et volumes dominants
- Modélisation 3D : silhouette reconstruite, puis sculptée pour intégrer les nouveaux éléments (ailettes, diffuseur, splitters…)
- Focus matériaux : rendu réalisé sous Keyshot, avec un traitement métal/noir mat & chrome, jouant sur le contraste entre nostalgie mécanique et modernité tranchante
- Mise en scène : visuels sur fond noir ultra-cinématographiques pour sublimer les lignes, avec effet “exhibition concept” assumé
- Intégration AR : QR code fonctionnel permettant de visualiser la voiture dans son environnement réel via smartphone
DESIGNPRODUIT
LogicielsPhotoshop
Procreate (iPad)
Rhino 8Keyshot