Ce qui m’intéresse dans le design, c’est ce qu’il peut faire ressentir.
Le poids d’un objet. Le bruit d’un moteur. Le silence d’un lieu. Le sentiment d’appartenir à quelque chose.
Je ne pars pas d’un support. Je pars d’une émotion.
Avant le design, j’ai étudié la gestion et le marketing. J’en ai gardé un réflexe : analyser et comprendre avant de créer.
Connaitre une marque, son histoire, ses codes, son positionnement, ceux à qui elle s’adresse et ce qui les relie à elle.
Puis identifier ce que l’expérience doit faire ressentir, et choisir les bons moyens pour provoquer cette émotion : une image, un objet, une interface, un espace ou un service.
C’est cette rencontre entre stratégie, création et ressenti que j’appelle l’ingénierie de l’émotion.
Dans le cadre d’un exercice de design prospectif automobile, j’ai imaginé Ferrari 499 LSP, une interprétation homologuée pour la route de la Ferrari 499P, victorieuse en endurance.
Le projet part d’un fantasme simple : et si une voiture conçue pour gagner Le Mans pouvait réellement quitter le circuit ?
À la manière de la Porsche 963 RSP, la 499 LSP transpose une machine de compétition dans un usage routier sans chercher à en effacer le caractère radical. La carrosserie est épurée, la configuration devient plus élégante et l’habitacle adopte des matériaux plus précieux, tout en conservant l’architecture et la présence d’une véritable Hypercar.
Mais le projet ne s’arrête pas à la voiture.
La 499 LSP est pensée comme une expérience propriétaire complète, articulée autour de trois dimensions : la machine, sa compréhension et son rituel de possession.
L’objectif est de transformer un mythe automobile habituellement observé à distance en une machine que l’on peut recevoir, comprendre, préparer et conduire.
Univers & scénario
- Point de départ : Ferrari 499P et héritage de l’endurance
- Inspiration : démarche de la Porsche 963 RSP, transposition d’une voiture de course vers la route
- Positionnement : véhicule ultra-exclusif à mi-chemin entre prototype de compétition, grand tourisme et objet de collection
- Direction artistique : langage Ferrari contemporain mêlé à une approche plus sobre et statutaire
- Travail autour du rituel, de l’attente et de la relation propriétaire–machine
Produits développés
- 1. Ferrari 499 LSP
→ Version routière de la 499P : peinture unie, détails simplifiés, plaques d’immatriculation et intérieur retravaillé avec des matériaux plus adaptés à un usage routier.
2. Application propriétaire
→ Interface inspirée des usages automobiles contemporains permettant de préparer, régler et comprendre le véhiculeavant même de prendre le volant.
→ Accès aux différents paramètres de la voiture, informations techniques, préparation du véhicule et accompagnement à son utilisation.
3. Expérience de livraison
→ Parcours de remise pensé comme un véritable rituel d’entrée dans l’univers 499 LSP, plutôt qu’une simple livraison automobile.
4. Coffret propriétaire
→ Écrin regroupant plusieurs objets exclusifs : carte propriétaire, deux clés et miniature sculpturale de la 499P, prolongeant physiquement l’expérience de la voiture.
ADN de marque conservé
DIRECTION ARTISTIQUE
PRODUCT DESIGN
UI / UX DESIGN
LogicielsPhotoshop
Illustrator
Figma
Blender
After Effects
Midjourney / IA générative
by THE ROLLS
Dans le cadre de mon projet de diplôme, j’ai imaginé Otium by The Rolls, une extension expérientielle de l’univers Rolls-Royce pensée autour d’un luxe devenu rare : le silence intérieur.
Rolls-Royce maîtrise depuis toujours le silence physique : isolation, confort, fluidité et sensation d’être coupé du monde extérieur.
Le projet part alors d’une question : et si la marque allait plus loin, en proposant non plus seulement le silence autour de soi, mais le silence en soi ?
Otium est une conciergerie de retraites d’exception ultra-personnalisées, exclusivement destinée aux clients Rolls-Royce. Chaque expérience est conçue non pas à partir d’une simple envie de voyage, mais autour d’un besoin personnel profond, identifié et accompagné par des experts. ROLLS ROYCE V26
Le projet transforme ainsi Rolls-Royce d’un constructeur d’objets d’exception en créateur d’expériences intimes, capable de prolonger son territoire de marque au-delà de l’automobile.
ETAPES:
- 1. Demande
→ Première prise de contact avec The Rolls permettant d’identifier le besoin réel du client, au-delà d’une simple destination ou d’une envie de voyage.
2. Conception Bespoke
→ Création d’une retraite entièrement sur mesure : lieu, durée, accompagnement, environnement, activités et rythme sont définis spécifiquement pour chaque personne.
3. Départ
→ Mise en scène du passage entre le quotidien et l’expérience Otium, depuis la prise en charge du client jusqu’à son arrivée sur le lieu de retraite.
4. Éternel
→ L’expérience ne s’arrête pas au séjour : Otium accompagne le client dans la durée afin que les bénéfices obtenus puissent s’intégrer à son quotidien. Le parcours a été pensé depuis la première demande jusqu’à l’installation durable de ce « silence intérieur ».
Univers & scénario
- Point de départ : le silence, valeur historique et sensorielle de Rolls-Royce
- Insight : les clients les plus privilégiés peuvent accéder à presque tout, mais restent exposés au bruit, à la pression et à la surstimulation
- Positionnement : service ultra-premium à la croisée de la conciergerie, du voyage, du bien-être et du bespoke
- Direction artistique : univers minimal, contemplatif et immersif
- Travail autour de la notion de retrait, de temps long et d’introspection
Produits développés
- 1. Branding Otium & The Rolls
→ Développement de l’identité du service Otium au sein de l’univers The Rolls.
→ Travail sur le naming, le positionnement, les codes graphiques, les principes de narration et l’extension de l’ADN Rolls-Royce vers un territoire plus spirituel et expérientiel.
2. Interfaces client & employé
→ Conception d’une interface dédiée au client pour suivre, comprendre et vivre son parcours Otium.
→ Conception d’une interface employé permettant d’organiser, personnaliser et piloter l’expérience en interne, dans une logique de service ultra-premium.
3. Signalétique
→ Création d’un système signalétique cohérent avec l’univers Otium, pensé pour accompagner l’expérience sur site et renforcer le sentiment d’immersion, d’orientation et de sérénité.
4. Visuels immersifs
→ Création d’un ensemble de visuels de projection permettant d’incarner l’univers Otium : lieux, ambiances, moments de retrait, mises en situation et représentation sensible de l’expérience.
5. Écosystème de marque
→ Développement d’un ensemble de supports visuels et expérientiels assurant la cohérence du projet : storytelling, parcours, principes d’activation, mise en scène de l’offre et déclinaisons de l’univers de marque.
ADN de marque conservé
- Identité Otium / The Rolls
- Plateforme et interface digitale dédiée
- Expérience de conciergerie
- Sélection et conception de lieux exclusifs
- Supports physiques et digitaux accompagnant le séjour
- Communication et storytelling autour de The Road of Silence
DIRECTION ARTISTIQUE
LogicielsChat GPT
MidJourney
Photoshop
Runway
Figma
Firefly
La collection “Origine” pose les fondations de l’univers de marque. C’est un manifeste : minimaliste, efficace, et chargé de sens. Elle affirme le ton visuel et le territoire émotionnel de CARMOUR, en capitalisant sur l’héritage auto et ses symboles pop.
Chaque pièce fonctionne comme une capsule graphique, jouant sur :
- Des illustrations réalistes, fidèles aux silhouettes cultes (Porsche 917, Pink Pig, Maybach, etc.)
- Des jeux typographiques et slogans détournés issus de vraies campagnes vintage
- Un positionnement frontal/dos structuré (logo cœur sur le devant, illustration centrale au dos)
- Une narration codée : couleurs reprises dans le logo, clins d’œil culturels (Virgil Abloh, Gulf Racing, clichés de pub auto années 80/90…)
L’ensemble crée un langage visuel accessible mais référencé, entre culture auto, mode et design graphique.
- Logo : le mot “CARMOUR” fusionne car et amour ; le “O” est remplacé par un cœur plein, jouant sur les polarités affectives autour de l’auto (amour/détestation, culte/déclin).
- Illustrations : réalisées en vectoriel avec une DA semi-réaliste, accent sur les angles de vue iconiques (vue plongeante, profil side, arrière racing…).
- Typo : mix de typographies pleines et outlines pour évoquer les contrastes visuels entre structure industrielle et sensibilité émotionnelle.
- Placement : réflexion autour de la lisibilité, du rythme et de la valorisation textile.
DIRECTION ARTISTIQUE
Logiciels
Photoshop
Procreate (iPad)
Illustrator
Avec Avantime, deuxième collection de ma marque CARMOUR, j’ai choisi de casser volontairement les codes graphiques posés par la collection Origine. Ce virage stylistique assumé incarne ma volonté de construire une marque vivante, évolutive et culturellement poreuse, à l’image de l’automobile elle-même : en mouvement perpétuel.
Le nom « Avantime », emprunté à l’un des modèles les plus polarisants de Renault, incarne parfaitement cette idée de futurisme incompris. L’objectif : questionner l’héritage, réinterpréter les mythes auto avec une touche post-digitale et une ironie de designer.
Chaque pièce associe :
- Une photographie pixelisée d’un détail de voiture iconique (Turbo S, GT-R, GR Yaris, Ferrari…), cadrée comme un souvenir glitché, entre nostalgie et numérique.
- Un slogan typographique « Vroom to the point », mixant codes graffiti, gaming, et futurisme typographique, pour incarner l’élan, l’urgence, le mouvement.
- Un système chromatique hyper cohérent où les teintes du logo, du texte et de la photo forment un triptyque visuel fort.
Cette collection pousse la DA de la marque dans une direction plus conceptuelle, générationnelle et edgy.
Avec Avantime, je voulais prouver que CARMOUR n’est pas une marque figée dans l’automobilia vintage, mais une plateforme graphique capable d’embrasser différents imaginaires – du culte à l’expérimental, du rétro au numérique.
C’est une collection qui parle autant aux amateurs de carrosseries qu’aux créatifs street/post-digital, un objet hybride qui navigue entre mode de niche, branding artistique et hommage culturel.
- Logo retravaillé : version glitchée du mot CARMOUR, pixelisée, texturée, agressive visuellement, à contre-courant du minimalisme plat.
- Typographies contrastées : clash entre une typo futuriste racée (Vroom / Point) et une typo graffiti fluide et urbaine (To / The), comme un dialogue entre vitesse mécanique et expression humaine.
- Traitement photo : les clichés de détails auto sont volontairement pixelisés, à la manière de visuels lo-fi ou archives web compressées, pour évoquer le fantasme automobile vu à travers l’œil numérique.
DIRECTION ARTISTIQUE
Logiciels Photoshop
Illustrator
La collection CARMAP est un hommage visuel à la culture automobile à travers l’imagerie des routes, des courses et des souvenirs flous capturés sur le vif. Elle explore le lien intime entre le conducteur et la machine, en s’appuyant sur une esthétique brute et rétro, inspirée de l’imagerie analogique. L’idée est de figer dans le textile des instants volés, des scènes capturées sur les routes ou sur circuit, comme des fragments de road trip imprimés sur coton.
Le nom CARMAP évoque à la fois la carte de navigation et une cartographie émotionnelle de la passion automobile. C’est une collection sentimentale, presque nostalgique, qui traduit en noir et blanc le battement du cœur des passionnés de voitures.
Chaque pièce de la collection CARMAP agit comme une capsule visuelle, construite à partir d’images transformées, jouant sur :
- Des photographies documentaires ou inspirées de scènes de culture auto (routes sinueuses, run urbain, rallye de légende).
- Une grille graphique rigide : logo cœur sur le devant, visuel plein cadre centré au dos, imprimé façon affichage ou print vintage.
- Une esthétique bitmap noir et blanc, qui évoque les techniques d’impression à l’ancienne, les premiers visuels digitaux ou les photocopies underground.
- Une stylistique glitchée et contrastée, dans l’esprit des fanzines ou des visuels tuning 90’s ultra contrastés.
- Visuels : Les images utilisées à l’arrière des t-shirts sont transformées en bitmap noir et blanc, créant un effet de trame qui rappelle les impressions anciennes ou les premiers visuels d’ordinateurs. Cela donne un rendu granuleux, percutant et volontairement brut, en cohérence avec l’univers underground de la culture auto.
- Photographies : Chaque photo représente une scène culte ou cinématographique liée à l’automobile (circuit, run de nuit, poursuite en montagne…), avec un cadrage immersif et des contrastes accentués pour renforcer l’impact.
- Logo : Le logo “♥CARMOUR”, réutilisé ici dans une version modifiée et déformée, adopte une typographie marquée par une texture abîmée, évoquant les stickers de pare-brise usés par le temps. Le mot est légèrement courbé, rappelant les formes dynamiques des routes ou les stickers racing collés de travers.
- Couleurs : La collection est intégralement en noir et blanc sur t-shirt blanc, pour renforcer l’aspect intemporel, photographique et minimal de la direction artistique.
DIRECTION ARTISTIQUE
Logiciels
Photoshop
Illustrator
tooooools.app
Dans un marché du champagne en quête de rajeunissement, ce projet de redesign vise à réconcilier l’héritage historique de la maison Mercier avec les attentes esthétiques d’une nouvelle génération de consommateurs.
L’objectif : réactiver le désir autour d’un grand nom du champagne, sans trahir son ADN, en injectant une dimension graphique plus contemporaine, urbaine et statutaire.
La direction artistique repose sur une fusion d’univers volontairement contrastés :
- Le haut de l’étiquette conserve les codes classiques et institutionnels (logo originel, typo serif traditionnelle, coloris rouge et or).
- Le bas de la bouteille introduit une typographie inspirée du graffiti, affirmée, vibrante, qui semble “taguée” sur le verre noir profond.
Cette cohabitation visuelle entre tradition et contre-culture crée une tension graphique assumée, pensée pour capter le regard en linéaire et susciter la curiosité tout en respectant les repères de la marque.
- Design d’étiquette : juxtaposition verticale de deux typographies — Times New Roman pour la tradition, lettrage street handmade pour la rupture.
- Palette couleur : noir glossy, rouge Mercier, et doré texturé pour évoquer le prestige sans ostentation.
- Volume bouteille : inchangé, pour garder l’iconicité de la marque.
- Placement typographique : en bas de la bouteille, signature urbaine visible lorsqu’on la sert – clin d’œil subtil à la culture hip-hop et à l’art du branding par renversement.
PACKAGING
LogicielsPhotoshop
Illustrator
Dans le cadre d’un exercice de design prospectif, nous avons imaginé un univers dystopique futuriste dans lequel la marque Oakley évolue et s’adapte.
Ce projet place Oakley au cœur d’un écosystème hostile, où la technologie se met au service des fonctions vitales humaines : respirer, voir, entendre, se protéger.
Le concept RE-FEEL propose une bascule radicale du storytelling de marque : Oakley n’est plus seulement une marque de performance, elle devient une interface entre l’humain et son environnement, en s’inspirant du biomimétisme et des grands symboles passés de la marque.
Univers & scénario
- Contexte : monde dystopique pollué, post-anthropocène
- Approche IA : tous les visuels produits, environnements et textures ont été générés via des outils IA (Midjourney, Runway…) pour créer un langage visuel organique, entre high-tech et matière vivante
Produits développés (4 objets-signatures)
- Masque respiratoire
→ Inspiré des premières lunettes sport Oakley ; structure filtrante respirante imitant les branchies. - Lunettes intelligentes
→ Dotées d’un HUD (affichage tête haute) ; technologie de vision filtrée adaptative ; design hérité de la Eye Jacket. - Oreillettes à conduction osseuse
→ Captent l’environnement et transmettent le son par vibration ; inspirées de la forme auriculaire humaine. - Masque intégral de survie
→ Pièce iconique inspirée des archives Oakley (Overthetop, Medusa) ; synthèse de toutes les fonctions vitales.
ADN de marque conservé
- Réutilisation des formes iconiques Oakley (lunettes techniques, masques extrêmes, branches ergonomiques)
- Codification par matière, brillance, texture : techwear + organique
- Univers visuel : brumeux, post-industriel, respirant mais oppressant
- Slogan & naming : RE-FEEL – Inspired by nature. For survival.
DIRECTION ARTISTIQUE
LogicielsChat GPT
MidJourney
Photoshop
Runway
Figma
Firefly
Dans le cadre d’un exercice de création, l’objectif était de concevoir un restaurant fictif inspiré d’un film emblématique, sans jamais tomber dans la citation littérale ou l’illustration évidente. Nous avons choisi Skyfall pour son esthétique élégante, ses tensions narratives subtiles et sa symbolique de la dualité.
VESPER est né de cette lecture sensible. Le projet transpose l’univers de Skyfall dans un lieu gastronomique immersif, en traduisant l’esprit du film à travers des codes visuels, sensoriels et émotionnels, sans jamais évoquer directement James Bond.
VESPER explore une gastronomie narrative, entre sophistication, retenue, obscurité et sensualité. L’identité du lieu s’exprime dans les contrastes : textures, lumières, couleurs, arômes… tout y joue sur l’équilibre entre maîtrise et abandon.
Direction Artistique & Naming
- Le nom VESPER fait écho à la complexité d’un cocktail légendaire, mais aussi à une figure féminine ambivalente de l’univers Bond — sans jamais le citer.
- Le slogan “The Duality of Taste” résume l’ensemble du positionnement : entre raffinement et tension, contrôle et lâcher-prise.
Graphisme & Identité
- Typographies :
- Benton : rigueur, modernité
- Druk Wide : impact, contraste
- Palette colorée construite autour de tons inspirés des décors du film :
- Bleu nuit (#041C38)
- Rouge profond (#D04510)
- Or patiné (#77721C)
- Mise en page et traitements visuels sobres, mais puissants : grands aplats, visuels pleine page, compositions asymétriques.
Utilisation de l’IA
- Génération des visuels d’architecture intérieure, de plats, et de campagnes de communication à l’aide d’outils IA (Midjourney, Runway, etc.)
- La DA IA reprend les codes esthétiques du film : lumière rasante, compositions cinématographiques, contrastes de textures, matériaux nobles.
Gastronomie
- Carte conceptualisée comme une expérience multisensorielle :
- Cocktails narratifs (Sky Fall, Lose Control, Vesper Martini)
- Plats en accords de textures et d’arômes évoquant des moments du film, sans jamais les nommer
Communication
- Campagnes d’affichage épurées, jouant sur le mystère, le contraste et la suggestion.
- Identité visuelle modulable pour print, digital et packaging.
DIRECTION ARTISTIQUE
LogicielsMidJourney
Photoshop
Figma
Runway
ChatGPT
J’ai notamment conçu deux modèles originaux pour la Collection Signature, gamme vitrine annuelle de l’entreprise. Cette collection est pensée pour valoriser le savoir-faire artisanal et séduire une clientèle à la recherche de pièces élégantes, qualitatives et réutilisables.
Par ailleurs, j’ai également imaginé quatre étuis modulables pour tablettes de chocolat, ainsi que des variations chromatiques avec dorures argent et or pour la collection de boîtes unies, dans une optique de personnalisation B2B.
Ce stage m’a permis de conjuguer création graphique, réflexion technique et direction artistique, tout en intégrant les contraintes industrielles et commerciales propres à la production packaging haut de gamme.
La Collection Signature est la gamme vitrine de l’entreprise Thibault Bergeron. Revisitée chaque année, elle incarne le savoir-faire, la créativité et l’ADN premium de la marque.
Mon rôle a été de proposer trois pistes créatives originales. Deux d’entre elles ont été sélectionnées pour devenir les nouveaux visuels de la collection.
Modèle 01 — Design d’objet & architecture intérieure
Ma volonté avec ce premier modèle était de dépoussiérer l’usage classique du packaging alimentaire.Je ne voulais pas créer une boîte qu’on jette, mais un objet graphique et intemporel, pensé pour durer, pour être exposé ou réutilisé dans un intérieur.
Ce design puise dans l’univers du mobilier contemporain, avec un motif en quadrillage argenté, inspiré des structures métalliques architecturales.
Un coup de pinceau orange, rappel de la gestuelle artisanale du chocolatier, vient trancher cette rigueur avec une touche dynamique et gourmande.
Palette : blanc rosé minéral, orange mandarine, argent miroir
Techniques : dorure argent à chaud + impression quadrichromie
Positionnement : objet premium & décoratif pour concept stores, corners luxe, boutiques de chocolat haut de gamme
Modèle 02 — Brutalisme élégant & éco-design
Le second modèle se veut radicalement sobre, tant dans le graphisme que dans le procédé de fabrication.Aucune impression : uniquement un travail de dorure à chaud, pour préserver le toucher brut du carton kraft.
Les illustrations — des cabosses de cacao stylisées en effet bitmap — s’inspirent du langage visuel des anciens écrans digitaux. Ce parti-pris évoque une esthétique lo-fi et rend hommage aux racines agricoles du chocolat, avec un vrai sens du détail sensoriel.
Palette : kraft brut, dorure chocolat foncé
Techniques : dorure uniquement (zéro encre)
Intentions : réduction de l’impact environnemental, valorisation des matières, hommage visuel à la nature et à la data culture
Pour le premier modèle, je me suis appuyé à la fois sur mes inspirations personnelles et sur une analyse des tendances actuelles (mobilier, design intérieur, tonalités Pantone).
J’ai opté pour un blanc cassé subtilement teinté de beige rosé, une teinte à la fois douce, chaleureuse et élégante. En contraste, j’ai introduit un orange franc, dynamique et gourmand, pour apporter une touche de fraîcheur visuelle et de désirabilité à l’objet.
Enfin, la dorure argentée – empruntée aux codes du design d’intérieur contemporain – crée un jeu de lumière raffiné, évoquant les finitions métalliques d’un objet d’art ou d’un mobilier haut de gamme.
Pour le second modèle, le point de départ a été la matière brute : le carton kraft. Je souhaitais en préserver l’authenticité tout en y intégrant un traitement graphique fort.
Plutôt que de superposer des encres, j’ai fait le choix d’un travail uniquement en dorure à chaud, en sélectionnant un film couleur chocolat adapté aux teintes du cacao, en harmonie avec le ton du kraft. Ce procédé minimaliste permet de valoriser la matière sans la dénaturer, et affirme un engagement esthétique et écologique fort.
PACKAGING
LogicielsPhotoshop
Procreate (iPad)
Illustrator
Esko
Durant mon stage, j’ai eu la responsabilité de concevoir une gamme complète de quatre modèles d’étuis pour tablettes de chocolat, sélectionnés par l’entreprise pour être commercialisés durant l’année 2023–2024. L’objectif : proposer des territoires graphiques variés adaptés à différents univers de marque et types de supports (carton blanc, carton kraft…).
Modèle “Cabosses” – Évocation directe du cacao
Un motif illustratif réalisé à la main représentant des cabosses de cacao, en coupe et en trait, réparti sur l’ensemble de la surface. Chaque déclinaison colorée (framboise, bleu nuit, vert sauge, terracotta) correspond à une variété de chocolat. Le motif a été conçu pour mettre en valeur le logo du client et l’espace informatif produit.Modèles “Bande diagonale” – Typographie forte et lisibilité immédiate
Deux versions graphiquement identiques, pensées pour une lecture horizontale (paysage), à contre-pied des habitudes visuelles du secteur.- Une version sur carton blanc, plus épurée et moderne
- Une version sur kraft naturel, plus brute et artisanale
La typographie utilisée est bold, sans serif, massive et impactante, pensée pour être vue à distance en linéaire ou en boutique. Le bandeau diagonal relie visuellement la face avant à l’arrière, créant un effet de continuité visuelle fort.
Modèles “Pixels & Points” – Décalage graphique et modernité
Ces déclinaisons jouent sur un fond beige intemporel contrasté par un jeu de points de tailles variées, laissant apparaître une image pixelisée du contenu de la tablette (framboise, pistache…).Cette composition est une réinterprétation d’une proposition graphique imaginée pour la Collection Signature : une manière de lier packaging produit et collection prestige, en apportant un traitement visuel à la fois digital et élégant.
- Modèle 1 : illustration vectorielle personnalisée répartie de manière équilibrée sur le gabarit. Les couleurs ont été définies selon les dernières propositions colorimétriques internes à Thibault-Bergeron.
- Modèles 2 : composition structurée autour d’une diagonale forte ; typographie massive en Bold Sans Serif ; lecture optimisée en format paysage ; impression sur carton blanc et kraft.
- Modèle 3 : effet de révélation par pointillisme sur image retravaillée en pixel art ; palette beige + vert anglais pour une identité sobre mais contemporaine ; contraste typographique clair.
PACKAGING
LogicielsPhotoshop
Procreate (iPad)
Illustrator
Esko